沖縄独自の文化として、大切に受け継がれてきた紅型

まず、御社について教えてください。

当工房は、1972年に私の祖父が創業しました。大本は、琉球王朝士族のために紅型を作っていた三宗家のひとつ“下儀保村知念家（しむじぶむらちねんけ）”です。

私が当工房で本格的に仕事をするようになったのは、今から15年ほど前。21歳の頃でした。入社するまでは大阪でグラフィックデザインの仕事をしていて、「30歳頃に沖縄に戻って家業を継ぐのかな」と漠然と思っていました。

しかし、祖父の急逝を機に継ぐことになり、想像していたよりも早く戻ってきたんです。そのため、工房での仕事も、経営も並行して学んできました。

沖縄ではなぜ紅型が発展したのでしょうか。

紅型が発展した背景には、いろいろな事柄が関係していたようです。

もともと、紅型は琉球王朝の王族が着るものや交易品として作られていました。それを絶やさないようにするために、また他国に対して自国の文化をアピールできるようにするために、技術を発展させてきたようです。

絹織物に関しては、中国から日本を北上するルートのひとつに沖縄が入っていたことから根付いたと聞いています。

紅型は作業工程が非常に多いのですが、すべて手仕事で行われているのが特徴です。伝統工芸として沖縄で長く守られてきたのは、手仕事だからこそ表現できるものを求めてくださるお客様がいたからです。

近年はAIや3Dプリンターなどの技術が発展してきていますが、“紅型のような伝統的な技術も存在し続けてほしい”という思いを込めて、私たちはものづくりをしています。

御社が手掛ける紅型の特徴を教えてください。

当工房では、表現の幅を広げるためにさまざまな挑戦をしています。具体的には、いろいろな業種の方とコラボレーションをしたり、デジタル技術を積極的に取り入れたり。紅型業界では、珍しい取り組みかもしれません。

過去には、有田焼や沖縄のやちむん（焼き物）とコラボレーションをしました。紅型や工芸にあまり触れたことがない方にも興味を持ってもらえるような商品を作って、アプローチできるようにしているんです。

当工房の商品を見て、「やっぱり知念さんの商品なんだね」と言ってもらえるようになってきたので、こうした取り組みが実を結んでいるなと感じています。

発展のためには、新しい挑戦も必要

紅型の工程を教えてください。

まず、オリジナルで作ったり、古典柄を起こしたりして図案を作り、型紙に型を掘ります。型紙に使われるのは、渋紙や渋紙に似せて作られたST紙と呼ばれる合成紙です。

型紙ができたら、カシュー（紗張り剤）などで紗を張って型紙を固定し、型置きに移ります。型置きは、糖ともち米を混ぜて作った糊を塗って型を生地に写す作業です。

帯の場合はおおよそ240cm（6尺）、着物の場合は13m以上型置きをします。型紙は柄がつながるように作っているので、ずれないように置いていくのがポイントです。

次は、色差しです。色を作るために使うのは、顔料と大豆を絞った呉汁（ごじる）。色味は作るものや使用する生地、お客様の年代などに合わせてその時々で調整しています。

顔料は染料と違って粒子が粗いので、生地に染み込まず、上にのってしまうんです。ですから、1本目の筆は付け筆、2本目の筆はすり筆として、2本の筆を交互に使って色を染めていきます。

色差しの工程を終えたら、隈取りを行います。これは柄に立体感を出すための工程で、色差しをした柄の上に濃い色を重ねていくんです。

隈取りで使う色が薄すぎると立体感が出なくなってしまいますし、反対に濃すぎると色差しで付けた色が消えてしまいます。そのため、作品の雰囲気に合わせて程よい柔らかさを表現できるように考えながら行わなければなりません。隈取りは、職人の技術や感性が詰まった工程なんです。

隈取りの後は、一度蒸し器で蒸して色を定着させる水元（みずもと）です。このときに、最初に付けた型の糊が洗い流されます。糊が入っていた部分は防染されているので、顔料で染めた部分には色が残り、糊が付いていた部分は元の白色に戻ります。

このままでは白地の作品になるので、最後に染料で地色をかける必要があります。ただ、そのまま地色をかけると、顔料で染めた部分も地色に染まってしまうんです。

それを防ぐために行うのが、糊伏せです。地色に染める前に筒と糊を使って柄の上をマスキングする工程で、方言では「びんうしー」と言います。

糊が乾いたら刷毛で地色の染料を染め、乾かします。乾いた後、色を定着させるために再度蒸し、洗って干して完成です。

蒸し器で色を定着させる方法には、賛否があったと聞いたことがあります。

そうですね。紅型はもともと琉球衣装の型でした。琉球衣装は、和装のように帯で締めるのではなく紐で締めます。そのため、衣装と紐がこすれても、色が落ちる心配があまりなかったんです。

ですが、和装文化が広まっていくと、どうしても帯を締めるようになります。帯は紐よりも摩擦の影響が大きいため、色落ちの問題が生じました。ちなみに、琉球王朝の頃には紫外線を当てて色どめをしていたようです。

蒸し器で蒸す方法は、京都などで当たり前に行われていた方法で。祖父はそれを参考にして紅型にも導入したんですが、やはり当時は業界の先輩から「蒸したら紅型ではない」と言われたこともあったようです。

ただ、今では色落ちを防ぐために紅型でも必ず蒸すようになりました。振り返ってみると、祖父はこれまで受け継がれてきた工程に少しずつ手を加えながら、新しい挑戦をすることに長けていたなと思いますね。

工芸を発展させたり、次世代にものづくりをつないだりするためには、そういった挑戦がとても大事だと改めて感じています。

御社には、職人さんは何名いらっしゃいますか？

職人は12名ほどです。すべての工程を行えるように技術を身につけている人もいれば、ひとつの工程を極めている人もいますね。工程ごとに特徴があるので、職人の性格や特性に応じて作業を振り分けています。

私は工房の運営をしなければならないので、すべての工程を習得しています。職人さんを育てていくには、私自身が技術を磨かなければならないなと。そのために、いろいろな作品を作ったり、展示会に出て評価を受けたりもしています。

表現の自由さが、職人のセンスを引き立てる

知念さんが考える、紅型の魅力を教えてください。

紅型は、着物や帯を染めるためだけの技術ではありません。たとえば、のれんやテーブルセンター、小物など、いろいろなものを染められます。私は、その表現の幅の広さが面白さだと思っています。

また、私はよく着物の帯を染めるのですが、たとえ作るものの形が決まっていたとしても、“そのなかでどういった柄を表現できるか”を考えるのはとても楽しいですね。

着物も、飾ったときと着たときでまた違った表情が見えるんです。帯を巻くとその部分は見えなくなってしまうので、それも考慮して柄を決めています。

その他にも、顔料の色の厚みや発色、地色に使う染料とのバランスなど、完成までのイメージは常に考え続けています。細部までこだわって作られた商品は、お客様の喜びにつながるので、着たときに見えなくなってしまう部分まで工夫を凝らしています。

一つひとつ手染めで作るからこそ感じられる楽しさですね。

そうですね。手染めの場合は色味や生地を毎回変えることもあるので、そのお客様にとっての一点ものとして商品を送り出せるんです。

私は、アートとデザインの間に工芸があると感じていて。工芸は、アートほど作り手の思想を押し出すものではありませんが、商業デザインのように売れることを追求するものでもありません。ある程度決まった形のなかで、職人のセンスを反映させることができます。

グラフィックデザインをやっていた私としては、その自由さがあるからよりユニークな発想ができるなと感じています。

作品づくりにおいて型はとても重要で、職人にとって資産になるものだと思います。模倣されることはないのでしょうか。

模倣されることもありますね。もともと絹文化は模倣されて発展してきました。長い歴史のなかでそういった背景があるのは理解していますが、現代においてはあまり望ましいものではないと考えています。

私はInstagramでの発信にも力を入れていて、ありがたいことにたくさんの方にフォローしていただいているので、ときには模倣されることもあるんです。はじめは「まいったな」と思っていたのですが、「真似するぐらい、いいと思ってくれているんだな」と思うようになりました。

さらに、ただ真似されっぱなしでいるよりも、「これが本物です」と発信すればいいんだと考えました。真似されたことに憤るのではなく、元のデザインや色味、紅型という手作業で作られたものであること、この柄を作った理由などを発信するようにしています。

SNSでの発信は、なぜ始められたのでしょうか。

若い世代の人たちに、興味を持ってもらうきっかけづくりのためです。いきなり「興味があります」とこの業界に入ってくる人はなかなかいないと思うので、SNSを活用して紅型を見てもらおうと考えたんです。

最初は若い世代に向けて発信していたのですが、海外の方が興味を持って拡散してくれて。そこから、若い世代が見てくれるようになりました。

なかには、発信を見て「この柄のものが欲しい」と工房に来てくれた人もいました。「ものづくりは、こんなにも人の気持ちを動かすことができるんだ」と、SNSを通じて新しい気付きを得られましたね。

紅型が、身近な存在になれるように

知念さんが考える、呉服業界や紅型の課題を教えてください。

呉服業界は、右肩上がりに発展していく可能性はあまり高くないと思っています。やはり、着物を着る人は減っていますし、昔に比べると着物への心理的な距離感もありますから。

ただ、最近は若い世代の人たちの間で“リサイクル着物”の人気が高まってきています。興味を持ってくれた若い世代に対して、手染めの着物を着てもらえるようにいかにアプローチしていくか。それが重要だと思っています。

一方で工芸は、着物よりも興味を持ってくれる世代が幅広いんです。「染物や織物にはあまり興味がないけれど、籠や焼き物には興味がある」という人もいます。

ですから、そういったものを作っている工房さんとのコラボレーションをきっかけに、染物にも興味を持ってもらえるようにすることが必要ですね。

「あそこに行けば紅型に触れられる」という限定的なものではなく、生活のなかで紅型のモチーフを目にする機会を増やして印象に残る存在になれるといいな、と思って活動しているところです。

今後、チャレンジしたいことはありますか。

今は継続的な仕事が着物の帯だけなので、今後は他にも継続して仕事ができる取引先を見つけていきたいと思っています。その実現に向けた事業や企画を、今まさにいろいろと考えているところです。

工芸や呉服は、身近なものではなかったり、近づきにくいなと感じたりする人もいるかもしれません。

しかし、紅型に限らず、工芸品には一つひとつに何らかの背景が必ずあります。デジタルプリントにはないその背景を知れることが魅力だと思うので、「きれいだな」「いいな」と思ったものがあれば、ぜひその工芸品の歴史に触れてみてください。